UK Harper’s Bazaar

An interview with me has been published in UK Harper’s Bazaar.
I would be delighted if you could take a look when you have the chance.

「UK Harper’s Bazaar」にインタビュー記事を掲載いただきました。

“Where Time Wears Beauty: NODE Jewellery and the Poetry of Change”

By the time you encounter NODE, there is an immediate sense that this is jewellery meant to be lived with rather than merely observed. Often described as “wearable sculpture,” the work resists the idea of permanence as something fixed or static. Instead, rings soften, surfaces shift and edges record touch. Time is not treated as an adversary, but as a collaborator. In a culture that frequently equates beauty with flawlessness, NODE offers a quieter, more generous proposition: that meaning is formed through change.

That understanding began early. The designer recalls their mother’s wedding ring, worn constantly and never removed. Over time, the metal became sharp. One day, while doing housework, she cut her hand on it. Rather than seeing damage, the designer saw beauty. The injury, the altered shape of the ring and the accumulation of years and experiences seemed to surface all at once. It was a moment of revelation. Jewellery, they realised, is not an object in isolation, but a trace of a person’s time.

This philosophy underpins NODE’s refusal to present its pieces as finished. The works are sold in their initial state, intentionally left open to transformation. In an industry that prizes perfection and finality, this approach feels quietly radical. The designer resists the very notion of completion, explaining that a piece cannot be finished by the maker alone. Its impression changes with the wearer, the moment, the environment and the gradual transformation of the material itself. The designer sets the starting point; completion is something that unfolds elsewhere.

The fluid movement between jewellery and art making follows the same logic. The designer does not experience these as separate disciplines, but as different conditions for the same instinct. The distinction is simple: whether the work is worn or not. Each idea finds its most natural form, without hierarchy.

At the heart of NODE lies the Buddhist concept, the understanding that nothing remains the same, even for a moment. Beauty, in this context, emerges through an awareness of time passing. The designer speaks of small, almost unnoticed scenes, an empty park, a glass left on a table, that stir feelings of transience, sadness and nostalgia. These are the moments that leave marks on the heart, and it is those marks that continue to draw them forward.

While this sensitivity is deeply connected to Japanese culture, particularly the long established sensibility of wabi sabi and the belief that spirits reside in old objects, the designer believes it is not culturally bound. Ephemerality, they suggest, is something that can be felt universally, regardless of background. There is also a sense of quiet spirituality in the work, an intentional stillness. The designer hopes that wearing NODE might help steady emotional fluctuations, even briefly. Calm, they believe, is not an indulgence but a necessity. True sensibility exists in silence, in the mental space that allows us to feel deeply. Richness of heart is born in moments of pause, when we notice a small stone on the ground or follow the slow movement of clouds. The jewellery is meant to act as a gentle reminder to stop and breathe. Authorship, in this context, is willingly surrendered.

A piece becomes fully alive only through interaction with another person. Their time, consciousness and presence are breathed into it, forming its existence. The wearer is not a passive recipient, but an active participant in creation. This relationship, the designer says, is the work’s source of energy. While the physical transformation of a piece is never surprising to them, the emotional relationships people form with the work often are. The designer recalls a wearer who asked for a repair to remain visible, explaining that the damage was part of their personal story with the jewellery. In other moments, it is the quiet softening of a surface, grooves rounded by years of wear, that reveals the depth of connection between object and person.

Despite how personal NODE feels, it never imposes identity. The designer believes objects naturally change according to their owner and sees no need to prescribe meaning. They simply look inward and create from that place, trusting the work to adapt. Jewellery, they acknowledge, often accompanies people through moments of love, loss and transition. Yet rather than hoping for an overtly emotional bond, the designer imagines something subtler: a relationship that evolves alongside the wearer’s way of life. Each piece becomes a vessel for memory and time, a quiet record of existence.

Working within a global creative landscape, the designer does not dwell on challenges or external pressures. For them, the most difficult and meaningful act is simply continuation, showing up and remaining faithful to one’s sensibility. Innovation, by international standards, is never the goal. Creation is about honesty in each moment.

As more designers seek to create work that carries meaning beyond aesthetics, NODE stands apart by refusing to impose interpretation. Meaning, the designer insists, cannot be forced. The object merely acts as a trigger. Its true depth is formed through the imagination, time and inner life of the person who holds it. When someone encounters NODE for the first time, the designer does not hope for a lingering feeling within the wearer. Instead, they hope the opposite, that the emotion remains within the piece itself. That whenever it is seen again, it quietly calls back the memories and sensations of that moment. In this way, NODE does not seek to arrest time, but to hold it gently, faithfully and without resistance.

NODEに出会った瞬間、それが単に眺めるためのものではなく、共に生きるためのジュエリーであるという実感がすぐに湧き上がります。しばしば「身にまとう彫刻」と評されるその作品は、永続性を固定された静的なものと捉える考えに抗います。その代わりに、指輪はなじんで柔らかくなり、表面は移ろい、エッジ（縁）は触れた記憶を刻んでいきます。ここでは、時間は敵としてではなく、共創者（コラボレーター）として扱われています。美しさを「完璧さ」や「無傷であること」と同一視しがちな文化の中で、NODEはより静かで寛容な提案をしています。それは、「意味は変化を通じて形作られる」というものです。

その理解は早くから始まりました。デザイナーは、母が片時も外さず身に着けていた結婚指輪を覚えています。時を経て、その金属は鋭利になりました。ある日、家事をしている最中に彼女はその指輪で手を切ってしまいました。デザイナーはそれを「損傷」としてではなく「美しさ」として捉えました。その傷、変形した指輪の形、そして積み重なった年月と経験が、一きわ鮮やかに表面化したように感じられたのです。ジュエリーとは孤立した物体ではなく、その人の時間の軌跡なのだと彼は悟りました。

この哲学が、作品を「完成品」として提示することを拒むNODEの姿勢を支えています。作品はあえて変化の余地を残した初期状態で販売されます。完璧さと完結さを尊ぶ業界において、このアプローチは静かな過激さを秘めています。デザイナーは「完成」という概念そのものに抵抗し、作品は作り手一人では完成し得ないと説明します。着ける人、瞬間、環境、そして素材自体の緩やかな変化によって、その印象は変わっていきます。デザイナーは出発点を設定するに過ぎず、完成は別の場所で繰り広げられるものなのです。

ジュエリー制作とアート制作の間の流動的な動きも、同じ論理に従っています。デザイナーはこれらを別々の分野としてではなく、同じ本能が異なる形で現れたものとして捉えています。その違いは単純です。作品が身に着けられるか否か。それぞれのアイデアは、上下関係なく、最も自然な形を見出します。

NODEの核心には、一瞬たりとも同じ状態に留まるものはないという仏教的な概念（諸行無常）があります。この文脈における美しさは、時の経過を意識することから生まれます。デザイナーは、誰もいない公園やテーブルに残されたグラスといった、ほとんど気づかれないような小さな光景について語ります。それらは、無常観、悲しみ、そして郷愁を呼び起こします。これらは心に印を残す瞬間であり、その印こそが彼を前へと突き動かし続けるのです。

この感性は日本文化、特に古くから根付く「わびさび」の美意識に深く結びついていますが、デザイナーはそれが文化に縛られるものではないと考えています。「儚さ（エフェメラリティ）」は、背景に関わらず普遍的に感じられるものだと彼は言います。また、作品には静かな精神性、意図的な静寂も漂っています。NODEを身に着けることで、感情の揺らぎを鎮める手助けになればとデザイナーは願っています。彼にとって、平穏は贅沢品ではなく必需品なのです。真の感性は沈黙の中に、私たちが深く感じることを許す心の空間の中に存在します。

作品は、他者との対話を通じて初めて完全に命を宿します。その人の時間、意識、そして存在が吹き込まれることで、その存在が形作られるのです。着ける人は受動的な受け取り手ではなく、創造における能動的な参加者です。デザイナーは、ある愛用者が修理の跡を残してほしいと頼んできたことを思い出します。その人は、その傷もジュエリーと共に歩んだ自身の物語の一部なのだと説明したそうです。

NODEは非常にパーソナルな感覚を伴いますが、アイデンティティを押し付けることは決してありません。デザイナーは、物は持ち主に応じて自然に変化するものだと信じており、意味を処方する必要はないと考えています。彼はただ内面を見つめ、そこから創造し、作品が適応していくことを信じています。それぞれの作品は記憶と時間の器となり、存在の静かな記録となります。

グローバルなクリエイティブシーンの中で活動しながらも、デザイナーは外部からの圧力に固執することはありません。彼にとって、最も意義深い行為は、自らの感性に忠実であり続けることです。国際的な基準における「革新」が目的になることはありません。創造とは、各瞬間における誠実さのことなのです。

解釈を押し付けることを拒むことで、NODEは一線を画しています。物体は単なるきっかけ（トリガー）に過ぎません。その真の深みは、それを持つ人の想像力、時間、そして内面生活を通じて形成されるのです。誰かが初めてNODEに出会ったとき、デザイナーは感情が作品そのものの中に留まることを願っています。再びそれを見るたびに、その時の記憶や感覚が静かに呼び起こされるように。こうして、NODEは時間を止めるのではなく、優しく、忠実に、時間を抱きしめることを目指しているのです。